En un sentido muy explícito, Mezclar es la capacidad de poder combinar, unir y juntar diferentes elementos; siendo también la capacidad de alterar el orden de las cosas (RAE, 2020).
Por otro lado, en un sentido más cotidiano, podemos asociar la mezcla con cosas como: mezclar ingredientes, la mezcla de pavimentos y si lo tuyo es la música, la mezcla de una canción. Para los que apenas inician, la mezcla es en un sentido muy técnico: colocar el balance de los elementos de una canción de manera creativa en un lado izquierdo y derecho.
En el proceso creativo de la mezcla, ocurren muchas vertientes y entran en juego muchos elementos subjetivos; no es raro que haya personas que han forjado un nombre y autoridad en esta rama a partir de los años.
Nombres como: Chris Lord Alge, Jaycen Joshua, Illangelo y Marcella Araica, serán parte de algunos de los mencionados en este artículo, esperamos que disfrutes de esta inmensa cantidad de ideas que se avecina.
Como una nota importante antes de comenzar, quita de tu mente la idea de que una producción musical se arregla en la mezcla; la música debe sonar bien sin necesidad de aplicar “exceso de mezcla”. La mezcla es un medio para levantar la emoción de una producción y no para salvar o corregir errores (para esto existe la producción y la edición).
Secreto 1: Orden y código de colores
Es muy fácil perder nuestra cabeza en una mezcla desorganizada, imagínate 72 pistas de audio desorganizadas y sin ningún orden lógico para poder trabajar, definitivamente es una pesadilla y afecta nuestro tiempo y creatividad.
El orden de las pistas, puede realizarse por medio de familias de instrumentos (separar baterías, bajos, guitarras, pianos y voces, por ejemplo).
Ingenieros de audio como Marcella Araica, se toman un día antes de empezar a mezclar para poder ordenar la canción.
De igual manera, el código de colores es algo muy importante, es cierto que la vista es uno de los sentidos más ágiles que tenemos (porque era clave para nuestra supervivencia prehistórica), por lo que tener un determinado color para cada tipo de instrumento es algo muy útil y más rápido que leer el nombre de la pista.
Figura 1. Orden y código de colores en una producción.
Figura 2. Orden de colores aplicado a una sesión
Para este ejemplo, utilizaré una de mis producciones. Mi código de colores y orden de trabajo es: rojo (percusiones), amarillo (efectos como delay y reverb), azul (transiciones, voz principal y chops), celeste (pianos y sintetizadores), café (instrumentos virtuales que coloco en freeze para ahorrar CPU), naranja (guitarras), rosado (voces y coros).
Te invito a explorar y crear tu propio código de colores, definitivamente notarás una aceleración en tu flujo de trabajo.
Secreto 2: Ecualización sustractiva
Gran parte de una buena mezcla, es la capacidad de sentir claridad en los instrumentos y elementos que la conforman. El “enmascaramiento” entre elementos, es algo que aturde a quien la escuche. Ante esto ¿cuál es la primera acción instintiva? Subir volúmenes, ¿cuál es la consecuencia obvia? Pierdes el balance y vuelves a mover todos tus niveles de volumen, siendo esto un ciclo vicioso.
¿Cómo solucionamos el problema de no tener un balance perfecto? De acuerdo a lo que se puede aprender de Jaycen Joshua: aplicar ecualización sustractiva puede ser el camino. Este tipo de ecualización, consiste en eliminar todas esas frecuencias (o rango de frecuencias) que no aportan nada a la pista de audio y sin necesidad de recurrir al excesivo cambio de volúmenes, podríamos llegar a un balance más lleno y rico.
Ahora bien, al momento de ecualizar trata de pensar más en restar lo innecesario que en resaltar elementos. El oído sentirá que algo resalta cuando todo lo que estorba deja de estar presente; después puedes resaltar algunos elementos que consideres 100% necesarios.
Figura 3. Ecualización sustractiva aplicada.
Secreto 3: Movimiento de paneo
Este es uno de los secretos más recientemente descubiertos, proviene del mismísimo Illangelo (productor de The Weeknd). Este secreto consiste en mover consistentemente los elementos de la canción de izquierda a derecha, utilizando diferentes plugins de autopanning y barrido de frecuencias.
El principio es simple: nuestra mente no puede pasar tanto tiempo (sin aburrirse) escuchando algo que siempre está exactamente igual, por lo que suena lógico añadir movimientos leves de lado izquierdo y derecho para que nuestra atención ante la canción aumente.
Algunos de los plugins que pueden lograr este efecto (y que recomiendo que aprendas a utilizar muy bien) son: The Sweeper (Denisse), Brauer Motion (Waves) y Pan Man (Soundtoys).
Como ejemplo, utilizaremos la canción Alone Again de The Weeknd. Presta mucha atención a cómo la voz y los elementos se mueven de izquierda a derecha con la canción, verlo desde esta perspectiva puede hacer que la canción sea más interesante.
Link de la imagen: https://www.youtube.com/watch?v=JH398xAYpZA
Secreto 4: Compresión artística
Un compresor puede considerarse como un fader automatizado. Se nos enseña regularmente que esta maravillosa herramienta sirve en gran manera para controlar dinámicas y hacer que las cosas suenen más “en contexto”.
Si bien es cierto, los compresores en manos de los grandes ingenieros de mezcla pueden realizar más cosas. Como veremos a continuación.
De acuerdo con el ingeniero Chris Lord Alge (seguramente has escuchado algo de su trabajo si escuchas bandas como Green Day, Muse, Sum 41, entre otros), los compresores pueden añadir identidad a un sonido específico. Este tipo de herramientas pueden traer nuevos armónicos al terreno de juego, añadir distorsión y balancear cómo percibimos el sonido.
Una comprensión común, como veíamos, consiste en mover levemente el volumen para controlar dinámicas, pero también puedes usar diversos compresores en tu cadena a manera de comprimir poco a poco y así traer toda tu mezcla hacia adelante.
El término glue compression consiste en hacer que un conjunto de elementos se sientan más unidos y congruentes cuando se someten a una compresión en común. Intenta comprimir tus instrumentos individualmente y dar un leve toque de fineza en los tracks auxiliares a donde desembocan, de esta manera irás creando congruencia entre tus elementos.
Aprender a diferenciar los diferentes tipos de compresores (FET, Opto, Digital, VCA, Varimu) te ayudará a tener un mejor criterio y selección para tus elementos musicales.
Algunos compresores muy comunes utilizados hoy en día, en forma de plugin son: G-Compressor (Waves), CLA 2A (Waves), CLA 76 (Waves), Shadow Hills (plugin Alliance) y Arousor (Empirical Labs).
Figura 4. SSL-G Master Buss Compressor de Waves.
Secreto 5: Delays y reverbs major elaborados
No es sorprendente que amemos el sonido del delay y el reverb. En cierta manera estos efectos dan un toque sofisticado e interesante a nuestra mezcla. Imaginar que los sonidos están dentro de un espacio es una de las maravillas por las cuales anteriormente los estudios musicales eran muy cotizados de manera presencial; el juego ha cambiado, ahora podemos obtener sonidos interesantes desde emulaciones computarizadas.
El último de los secretos, proviene del flujo de trabajo del gran Jaycen Joshua (secreto que obtuvo de Chris Lord Alge). La magia consiste en enviar señal de los delays hacia los reverbs (según sea pertinente), con el fin de crear coherencia entre el eco y la repetición que obtenemos. Este truco es muy útil para lograr que las voces tengan más presencia y una textura diferente dentro de la mezcla.
Tal ha sido la fama de este “secreto”, que el año pasado la empresa Waves creó un plug-in junto a Chris Lord Alge para lograr este sistema de rutas en un solo lugar (ahorrando horas de trabajo y ruteo).
Para este tipo de efectos cualquier tipo de reverb y delay es útil (todo depende en el criterio personal), pero algunos plug-ins interesantes para tu arsenal pueden ser: Repeater (D-16 Group), LA-Epic (Waves), H-delay (Waves), Altiverb (Audio Ease) y Valhalla Vintage Verb (Valhalla DSP).
Figura 5. CLA-Epic de Waves.
Hemos llegado al final de otro blog, espero que este conjunto de tips te haya sido muy útil y te haga pensar la música desde otra perspectiva. El camino de la mezcla requiere mucha práctica, es importante poder experimentar y tomar el tiempo para conocer nuestras herramientas, para desarrollar criterio y velocidad al momento de mezclar. Muchos de los secretos recopilados, también son vistos en clases de Rec Música, con ejemplos muy aplicados y con la facilidad de ver a tus catedráticos aplicarlos en vivo y en directo, otra de las ventajas de estudiar en esta institución.
