Luego de haber recorrido el gran conjunto de técnicas para la limpieza de la voz, nos encontramos en el punto donde debemos hablar de mezclar y hacer que nuestra “voz” tenga un lugar en la canción (el más importante, por lo general). Al momento de mezclar la voz es necesario saber que esta tiene que interactuar perfectamente con el conjunto instrumental; esta unión permitirá tener coherencia y te hará tomar decisiones más maduras.
Los consejos acá mencionados, pueden estar acompañados de los IGTVs que podrás encontrar en el Instagram de Rec Música, esto con el fin de hacer una experiencia más enriquecedora y lógica de lo que se va a estar mencionando en este artículo. Además, mencionaré algunas de mis opciones de plugins favoritos para realizar la tarea de mezcla vocal y la razón de por qué me gustan tanto.
Tip 1: Limpieza de frecuencias
Esta parte es sumamente importante, porque algo que debes saber es: la toma perfecta de voz no existe en términos de frecuencia, por lo que es útil considerar limpiar las frecuencias que nos estén estorbando, o que sean innecesarias (no es necesario escuchar los 50 Hz de la voz, créeme que es casi imperceptible).
El proceso de limpieza puede iniciar con un filtro pasa bajos y un filtro pasa altos, esto puede darnos un buen punto de partida (aunque a veces no sea tan necesario el filtro pasa alto). En esta etapa podemos pensar seriamente en sustraer en lugar de añadir, porque nos interesa tener una toma de voz que pueda tener un lugar en el espectro de frecuencias de toda la pista.
Para esta etapa, siempre utilizo el Pro-Q3 de Fabfilter, es un ecualizador que a mi criterio, es bastante transparente y posee muchas funciones para localizar frecuencias e incluso compararlos con un piano (casi siempre reduzco las disonancias de medio tono, me ha resultado útil).
Figura 1. Pro Q-3 de Fabfilter
Tip 2: Compresión tonal y dinámica
Dinámica:
Esta etapa, al igual que la ecualización “quirúrgica”, pretende crear estabilidad en cuanto a las dinámicas de la voz, que todo tenga sentido en términos de volumen sin sacrificar la intención de lo que se está cantando.
Utilizo compresores ópticos, tratando que la mayor acción de estos sea en momentos donde la dinámica de la voz suba demasiado; estos compresores al ser lentos, permiten que la nivelación de las dinámicas sea sútil y que permita dar definición a lo que se está interpretando.
Muchas veces uso compresores análogos del LA-2A; últimamente mi primera opción es la versión Legacy del LA-2A de Universal Audio.
Figura 2. LA-2A de Universal Audio
Tonal:
En esta etapa, buscamos colocar algún compresor que pueda dar color a la voz. Es importante que este ayude a “colorear” la voz de manera sutil, pero que pueda sumar y lograr coherencia con toda la sección rítmica. En algunos casos utilizo compresores tipo FET, pero muy sutilmente para poder obtener tonos interesantes (la elección de un compresor depende enormemente de la voz del cantante).
Una de mis primeras opciones para esta etapa, es el 1176 de Universal Audio.
Figura 3. 1176 de Universal Audio.
Tip 3: De-essing
Un de-esser puede verse como una variante de compresión que actúa solamente sobre una banda de frecuencias, muchas veces esta franja puede estar entre 4-8 kHz, pero siempre existen excepciones a la regla.
Los de-esser son detectores de “s” o cualquier consonante que tenga mucha energía como la “k” y la “p”; si no tenemos un correcto balance de estas, podríamos escuchar demasiado estas consonantes y empezaría a volverse molesto al oído.
Soy fanático de los de-esser cuando no tengo el tiempo de editar las consonantes manualmente. Muchas veces coloco 2 o 3 en mi cadena vocal, con frecuencias que considero importante controlar. Otro método que utilizo, es cortar todas las consonantes y colocarlas en un canal duplicado, este funciona como sidechain a un compresor en la voz, de manera que solo se comprima en el momento en que aparece una consonante. Este método me ayuda a reducir dinámicas más allá de una completa banda de frecuencias.
Normalmente uso de-esser nativos de los DAWs en los que trabajo.
Tip 4. Coloración y saturación
La saturación es un fenómeno en el que podemos agregar armónicos a una fuente de sonido. Esto es algo que al principio no aplicaba, pero cuando descubrí su efecto, empecé a emplearlo en casi todas mis producciones vocales.
Agregar saturación significa colocar “color” a la voz o a cualquier fuente de audio que estemos trabajando. Es necesario tomarlo con mesura, porque podríamos llegar a cambiar la cualidad de la voz de una manera que cambie el propósito de la canción; mezclar una voz debería ser sumar a la producción y no querer cambiar la intención de lo que se quería transmitir.
Mi saturador favorito es el Decapitator de Soundtoys, pero lo utilizo con mucha cautela porque tiene un amplio espectro de colores que muchas veces no me resultan útiles.
Figura 3. Decapitator de Soundtoys
Tip 5. Espacio y profundidad
Este tip lo he dejado al final, y la razón es que depende mucho de cada persona la forma en la que se aplica esta parte. La profundidad y el espacio, son dos cosas que se pueden aplicar a través del diverso uso de delays y reverbs. Algunas veces esto puede depender de qué intención se le quiera dar a la voz, lo que responde a la siguiente pregunta: ¿dónde queremos que nuestro cantante esté interpretando? Esto se responde en términos de espacialidad, como ejemplo, una balada podría interpretarse como algo sumamente íntimo, por lo que no sería prudente hacerla sonar distante y lejana, ya que quitaría el impacto de que nos están cantando directamente al oído.
Como consejo importante, tratar que nuestros efectos de tiempo estén lo más cercanos al bpm de la canción es algo óptimo, esto permite que tengan una coherencia rítmica, pero también se puede agregar una ligera desviación entre el lado izquierdo y derecho para crear movimiento.
Uno de los trucos que generalmente hago es, mandar el delay al reverb, esto es algo que a mi parecer hace que la reverberación suene más clara; me hace sentir la voz en un plano que me agrada, y muchas veces logro esto a través de envíos auxiliares. Por otro lado, si quiero obtener este efecto lo más pronto posible, utilizo el CLA EPIC de Waves; este plugin realiza esta conexión a un par de clics y facilita enormemente el trabajo, además de que las emulaciones suenan bastante interesantes.
Figura 4. CLA EPIC de Waves.
Estos consejos aparecen en la serie de IGTVs, en los que estaré explicando mi cadena vocal para una de mis producciones, explicando las razones y mencionando otros plugins que pueden ser interesantes Espero esto te sea útil y puedas aprender algo nuevo.
Por Abraham Hernández Orellana
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